Cada 19 de agosto, el mundo celebra el Día Mundial de la Fotografía, una fecha que rinde homenaje a la presentación oficial del daguerrotipo ante la Academia de Ciencias de París en 1839.
Más allá de conmemorar la evolución técnica de un invento que revolucionó la historia, este día reconoce la labor de quienes dedican la vida a congelar la fugacidad del instante, capturando identidades, construyendo memoria colectiva y preservando la esencia de la condición humana.
En el marco de esta significativa efeméride, conversamos con la profesora Isabel Falcón Cordero: fotógrafa caraqueña de nacimiento, educadora por vocación y una de las figuras más influyentes en la formación del arte visual universitario en la Universidad de Carabobo.
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A través de una mirada profundamente sensible e impregnada por la belleza, las costumbres y las realidades sociales de Venezuela, la profesora Falcón nos comparte su trayectoria, sus referentes artísticos y su aguda reflexión sobre el verdadero propósito de la imagen en un mundo hiper-conectado.
Profesora Isabel, para comenzar, ¿cómo fueron sus primeros pasos en el universo de la fotografía?
Mi inicio fue bastante inusual. Tenía alrededor de 8 o 9 años y solía colarme en el laboratorio de un vecino que era un fotógrafo de gran renombre en Caracas. Lo que presenciaba allí me parecía pura magia: ver cómo emergía, dentro de una bandeja, una imagen en cuestión de segundos. Más adelante, quise estudiar Comunicación Social, pero para ese momento la carrera no se ofertaba en Valencia, por lo que opté por la Licenciatura en Educación, mención Tecnología Educativa. Fue justamente allí, en la asignatura de Fotografía, donde recibí clases del profesor Carlos Winkelman, quien me enseñó a valorar este oficio como una auténtica expresión artística.
Todo fotógrafo lleva consigo una genealogía de influencias. ¿Quiénes considera que fueron sus grandes maestros durante ese proceso de formación?
En primer término, el ya mencionado profesor Carlos Winkelman. Posteriormente, fui complementando mi formación mediante diversos talleres y, sobre todo, a través de la práctica constante. A partir de esa época, he pasado prácticamente toda mi vida con una cámara en la mano.
Al margen de la docencia directa, ¿qué figuras de la fotografía nacional e internacional admira profundamente por la solidez de su trabajo?
A nivel internacional, admiro infinitamente la obra de Sebastião Salgado, Robert Capa, Tina Modotti y Ramón Cabrales. En el plano nacional, valoro enormemente el trabajo de referentes de la talla de Esso Álvarez, Alfredo Boulton y Thea Segall, entre otros.
Una de sus iniciativas más recordadas en la comunidad académica fue la exposición «Pon una foto en tu facultad». ¿Cómo nació este proyecto y qué impacto tuvo?
Formé parte de Ciudad Compartida, un colectivo de fotógrafos del país del cual ejercí la coordinación en el estado Carabobo. Con este grupo organizábamos exposiciones en salones de arte y galerías, pero también abordábamos espacios públicos como calles y plazas. Por otra parte, durante años tuve a mi cargo la Cátedra de Fotografía y Cine del Departamento de Artes Visuales en la FaCE UC. Allí desarrollábamos prácticas bajo pautas muy precisas entregadas a los estudiantes. Decidimos llevar ese trabajo académico más allá del aula y darlo a conocer masivamente: intervenimos y llenamos de imágenes las paredes de la Facultad. Aquellas exposiciones tuvieron una concurrencia masiva y una extraordinaria valoración por parte de toda la comunidad universitaria.
Henri Cartier-Bresson acuñó la famosa premisa de que «fotografiar es colocar la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo eje». En su trayectoria personal, ¿cómo fue el proceso de hallar su propio estilo o ese «eje visual» particular?
Cartier-Bresson era de una sabiduría infinita. En efecto, la cabeza, el ojo y el corazón constituyen los ingredientes esenciales. En mi caso, el estilo se fue modelando al involucrarme directamente con el espacio que me rodeaba; siempre procuré impregnarme del entorno y sumergirme en las diversas realidades que observaba a mi paso. Sobre todo, los rincones de nuestra hermosa y exuberante Venezuela —el Delta del Orinoco, Los Llanos y distintas ciudades del país— me tocaron profundamente el corazón y me sirvieron de inspiración para alimentar la memoria de mi cámara.
Revisando su archivo fotográfico, ¿cuáles considera que son las temáticas más recurrentes en su producción visual?
El paisaje multicolor y sorprendente de nuestra nación, pero jamás desvinculado de la realidad social de sus comunidades y pueblos. Me interesan sobremanera las escenas que revelan la cotidianidad, las costumbres y la cohesión de la gente en su propio territorio; son espacios que representan un descubrimiento continuo y una constante motivación.
Para usted, en lo más personal, ¿qué significa la fotografía más allá de la construcción del encuadre y de la imagen bidimensional?
La fotografía es un compromiso ineludible: conmigo misma en primer lugar, pero también con la sociedad y con la historia, al asumir el rol de narrar acontecimientos e hitos. El fotógrafo adquiere una enorme responsabilidad humana en el momento preciso en que retrata la realidad. Más allá de ello, la fotografía es un espejo de la existencia, un intento poético por detener el curso del tiempo y una manera fundamental de validar nuestra propia presencia en el mundo.
A lo largo de los años, ¿cuál diría que ha sido el mayor desafío —técnico o humano— al que se ha enfrentado detrás del visor?
Es una pregunta trascendental. Desafíos han existido muchos, en especial en la era contemporánea. Hoy en día, gracias a los dispositivos móviles y las tabletas, las personas registran infinidad de imágenes al día, pero muy pocas hacen fotografía en sentido estricto. Ser fotógrafo es un oficio y una disciplina que trasciende el simple gesto de presionar un obturador o tomarse una selfie. Implica explorar y dominar las posibilidades de la herramienta, así como descubrir en el fuero interno la sensibilidad requerida para percibir, sentir, juzgar y manifestar la belleza y la armonía. La práctica constante y la autocrítica son pilares fundamentales, de la misma forma que lo es saber escuchar la opinión analítica de otros observadores.
Coincido plenamente con lo planteado por Ansel Adams cuando destacaba que una fotografía no se hace únicamente con la cámara —que es tan solo el instrumento—, sino con la suma de la experiencia de vida, la cultura y las emociones de quien la captura.
Si tuviese que agradecerle a la fotografía una sola vivencia, enseñanza o encuentro transformador en su vida, ¿cuál destacaría?
Sin duda alguna, el haberme permitido acercarme al ser humano; a ese «otro» que se ubica frente al lente. Sin embargo, antes de que la imagen sea capturada, ese ser humano ya ha impactado mi fibra más sensible, estimulando mis emociones y mis sentimientos. Considero que ese intercambio humano es el regalo más valioso que me ha otorgado esta profesión.
Vivimos sumergidos en una era donde las jóvenes generaciones consumen miles de estímulos visuales al día en redes sociales. ¿Qué recomendación les ofrecería para no caer en la imitación y atreverse a cimentar un lenguaje visual auténtico?
Para construir un lenguaje visual auténtico se requiere, indispensablemente, de ese impacto sensible del que le hablaba. Esto supone poseer una disposición perceptiva capaz de captar y procesar los estímulos del entorno —tanto físicos como emocionales— con profunda intensidad. Como mencioné previamente, dominar la técnica y la herramienta de la mejor forma posible es la base indispensable, pero siempre colocando el intelecto y el corazón en cada encuadre. Consolidar una voz propia es una tarea ardua que demanda dedicación, disciplina y un estilo de comunicación consciente para definir con claridad el propósito de cada imagen.
Para concluir, profesora Falcón, ¿qué reflexión final desearía compartir sobre la trascendencia del rol del fotógrafo en la sociedad contemporánea?
El fotógrafo es, en esencia, un comunicador visual. Su labor resulta fundamental para hilvanar la memoria colectiva de una sociedad, trayendo el pasado hacia el presente, puesto que todo instante capturado se convierte inmediatamente en pasado susceptible de ser revitalizado. En consecuencia, el ejercicio de la fotografía entraña una inmensa carga de compromiso ético, rigurosidad técnica y sensibilidad humana.
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Vanileiby Rivas: originaria de Puerto Cabello, Carabobo, Venezuela, es una artista plástica y poeta con formación en el área educativa y artística.
Es licenciada en Educación, Mención Artes Plásticas, egresada de la Universidad de Carabobo (UC).
Ha fortalecido su faceta literaria participando en diversos talleres de poesía en el Departamento de Literatura de la UC y en el Instituto Municipal para la Cultura de Puerto Cabello.
Complementando su perfil artístico, Rivas ha desarrollado habilidades en el campo de la comunicación social, ejerciendo como presentadora en el canal Todo y más TV y como redactora en el periódico Todo y más noticias.
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