Con motivo de haberse conmemorado el pasado 23 de septiembre el 51 aniversario de haber alzado vuelo hacia otro cielo nuestro laureado poeta Pablo Neruda, y de celebrarse este año el centenario de Veinte poemas de amor y una canción desesperada, queremos abordar dos facetas presentes en su obra.
Primeramente la del poeta cachorro, adolescente aún, que rompe con la tradición modernista e insurge con una poesía neo romántica cercana a las vanguardias de comienzos del siglo XX (Surrealismo) con su celebrado poemario; y posteriormente, la del Neruda de mediados de la década de los treinta, que en plena Guerra Civil Española (1936-1939) da un giro en su manera de asumir la escritura, volcándose hacia una poesía social, políticamente comprometida y antifascista, que enfrenta al franquismo que se estaba gestando en España con el derrumbe de la Segunda República.
Apuntamos que a realizar esta breve disertación nos mueve también la actividad realizada el pasado sábado 5 de octubre en los predios de la milenaria Piedra de Las Casimbas, a orillas del río Mariara, con la lectura colectiva de los trabajos de los poetas ausentes: Harry Almela, Salvador Casamayor, Margarita Pérez, Clarisa Pastrán, Obdulio Pastrán, Francisco Bogado, Pastor Yépez y Florencio Marrero, artistas e intelectuales que dejaron un valioso legado en el municipio Diego Ibarra del estado Carabobo.
En esta jornada cultural se contó con la masiva presencia de jóvenes de varios liceos de la comunidad, algunos de ellos talleristas de la Escuela Nacional de Poesía “Juan Calzadilla”, maravilloso proyecto al que sus organizadores lamentablemente decidieron no darle continuidad en los municipios fuera de la periferia de Valencia.
Además de los profesores y representantes de las instituciones educativas, participaron los activadores culturales del MPPPC José Gutiérrez y Chemir Colina, poetas, declamadores, cultores, escritores locales y quien esto suscribe.
Consideraciones sobre Veinte Poemas de Amor y una Canción Desesperada
En relación con el libro que nos ocupa, su primera edición vio la luz en junio de 1924, cuando Neruda estaba por cumplir veinte años, sin imaginar la trascendencia que tendrían sus versos considerados hoy día referentes de la poesía universal. La obra está conformada por 20 poemas numerados, con una estructura de arte mayor en los que destaca el uso de versos alejandrinos de 12, 13 y 14 sílabas.
Algunos críticos afirman que la joven Albertina Azócar, “La muchacha de Santiago”, con la que el joven Neruda mantuvo un secreto y tórrido romance durante más de diez años, fue la inspiradora de sus versos. Otros se refieren a “Marisol”, “La muchacha de Temuco”. Aunque para algunos estudiosos los inspiraron varias amantes y no solo una en particular, sino una mujer ideal, arquetípica, que contenía de alguna forma a todas aquellas con las que mantuvo una relación amorosa en su época adolescente de estudiante, profundamente enamorado no solo de sus musas, sino, con igual intensidad, de las palabras.
A modo de enredar más el origen de esta rara avis poética, cual detectives, sus amigos y biógrafos, luego de minuciosas investigaciones de sus cartas juveniles, sus memorias publicadas en la revista brasileña O Cruzeiro en 1962, por algunas charlas y conferencias sobre su poesía y por su libro póstumo, Confieso que he vivido, afirman que los poemas 1, 2, 5, 7, 11, 13, 15, 17 y 18 son inspirados por “La muchacha de Santiago”; y los poemas 3, 4, 8, 10, 12, 14, 16, 20 y la “Canción desesperada”, son motivados por “La muchacha de Temuco”, de nombre Teresa Vásquez León. Otros amigos, biógrafos y estudiosos nerudianos afirman que el “Poema 9” lo inspiró Laura Pacheco, y el “Poema 19”, María Parodi.
Por último, para Emir Rodríguez Monegal, destacado biógrafo de Neruda, el “Poema 6” lo inspiró Teresa o “Marisol”. Este poema plantea al crítico un curioso problema porque Neruda lo ha identificado como del ciclo de Temuco, pero al mismo tiempo, al hablar de Marisombra, la muchacha de Santiago, se ha referido a su “boina gris”. Tal vez ambas usaban boina; tal vez la memoria del poeta ha puesto la boina de una sobre la cabeza de la otra…”, remata el poeta y novelista colombiano José Luis Díaz-Granados (1946).
En una charla pronunciada en la Universidad de Chile, en enero de 1954, próximo a cumplir 50 años de vida, al hacer referencia a su legendario poemario, el poeta afirmaba: “Hay dos amores fundamentales en este libro: el que me impregnaba mi adolescencia provinciana y el que me aguardaba más tarde en el laberinto de Santiago”.
Influencia de Neruda en varias generaciones de poetas
Confieso que “Veinte poemas de amor y una canción desesperada”, obra que nos convoca, ha sido uno de los libros que más nos ha acompañado, y particularmente, uno de los que más se nos ha “extraviado”, afortunadamente entre las manos de amigos poetas, bibliófilos y nerudianos.
Recordamos con un dejo de nostalgia que Neruda nos acompañó durante la adolescencia junto a otros autores como César Vallejo, Ernesto Cardenal, Ludovico Silva, Rafael Cadenas y, posteriormente, Rimbaud, Baudelaire y el Chino Valera Mora, todos haciendo las veces de faros literarios, iluminando los primeros pasos de iniciados en el raro oficio de la escritura.
El cuerpo y la palabra en la poesía nerudiana
El poema 1 que abre el libro comienza haciendo alusión al cuerpo de la mujer amada, que aparece como tierra fértil para el cultivo, y el poeta como labriego que la socava, develando el erotismo presente entre dos jóvenes ardientes de amor:
Cuerpo de mujer, blancas colinas, muslos blancos,
te pareces al mundo en tu actitud de entrega.
Mi cuerpo de labriego salvaje te socava
y hace saltar el hijo del fondo de la tierra.
Fui solo como un túnel. De mí huían los pájaros
y en mí la noche entraba su invasión poderosa.
Para sobrevivirme te forjé como un arma
como una flecha en mi arco, como piedra en mi honda.
Pero cae la hora de la venganza, y te amo.
Cuerpo de piel, de musgo, de leche ávida y firme.
Ah los vasos del pecho! Ah los ojos de ausencia!
Ah las rosas del pubis! Ah tu voz lenta y triste!
Cuerpo de mujer mía, persistirá en tu gracia.
Mi sed, mi ansia sin límite, mi camino indeciso!
Oscuros cauces donde la sed eterna sigue,
y la fatiga sigue, y el dolor infinito.
Inmediatamente después de la confirmación del cuerpo se articulan los poemas que harán el recorrido por los laberintos del amor y el desamor. Para ello, Neruda utiliza la palabra como seducción. En el poema 5 el poeta habla y la amada lo escucha, el poeta habla y ella abre su oído y todo su cuerpo. Ahora la relación se funda en la palabra, es decir, en el verbo hecho carne y vida floreciente:
Para que tú me oigas
mis palabras se adelgazan a veces
como las huellas de las gaviotas en las playas.
Collar, cascabel ebrio
para tus manos suaves como las uvas.
Y las miro lejanas mis palabras.
Más que mías son tuyas.
Van trepando en mi viejo dolor como las yedras.
Ellas trepan así por las paredes húmedas.
Eres tú la culpable de este juego sangriento.
Ellas están huyendo de mi guarida oscura.
Todo lo llenas tú, todo lo llenas.
Antes que tú poblaron la soledad que ocupas,
y están acostumbradas más que tú a mi tristeza.
Ahora quiero que digan lo que quiero decirte
para que tú las oigas como quiero que me oigas…
Pero se van tiñendo con tu amor mis palabras.
Todo lo ocupas tú, todo lo ocupas.
Voy haciendo de todas un collar infinito
para tus blancas manos, suaves como las uvas.
(En otra entrega nos detendremos en el polémico poema 15 y en el poema 20, harto conocido por todos los amantes de las letras).
Destacamos que Veinte poemas de amor… logró la hazaña de dar a conocer a Neruda en Chile y en todo el mundo. En un tiempo breve se vendieron millones de ejemplares de su libro y se tradujo a varios idiomas. También fue musicalizado por cantantes como Serrat, Mercedes Sosa, Joaquín Sabina, Rubén Blades, Milton Nascimiento y los grupos de rock La Oreja de Van Gogh y Los Fabulosos Cadillacs, entre otros.
Neruda poeta antifascista
En relación con la faceta del Neruda antifascista, cabe señalar que nuestro poeta fundó con César Vallejo, en 1937, la Alianza de Intelectuales de Chile por la Defensa de la Cultura, en plena Guerra Civil Española, logrando la participación de artistas y literatos de toda Europa, Estados Unidos, Latinoamérica y el Caribe, ante la amenaza inminente del fascismo recién surgido en Italia y Alemania, donde vería caer asesinados a García Lorca y a otros entrañables amigos que cambiaron la pluma por las armas. Todo esto haría que Neruda cambiara igualmente la tinta verde claro de su escritura por la del rojo fuego del poeta comprometido.
Como anécdota curiosa, Neruda se enteró tres días antes que había sido favorecido en el fallo del veredicto del Premio Nobel de Literatura, lo que lo motivó a celebrar con sus amigos en un restaurant de París. Cuenta García Márquez, uno de sus invitados de lujo, que el poeta luego de escoger el plato de su preferencia dio vuelta a la hoja del menú y comenzó a escribir sin parar el borrador de lo que sería su discurso de recepción del preciado Nobel de Literatura, en 1971. El arte sucede, diría James Whistler.
Cerramos esta travesía citando el poema Canto a las madres de los milicianos muertos, recitado en el célebre mitin antifascista en la ciudad de Cuenca, el 12 de octubre de 1936, organizado por la Federación Universitaria Hispanoamericana y la Alianza de Intelectuales Antifascistas, donde hace una defensa de la causa republicana. Entonces, nuestro poeta acababa de llegar de París al ser nombrado embajador de Chile en España. Estos versos que leeremos a continuación marcan la diferencia del tono intimista de su producción poética anterior y la poesía combativa antifascista que hará a partir de aquí:
Canto a las madres de los milicianos muertos
¡No han muerto! Están en medio
de la pólvora,
de pie, como mechas ardiendo.
Sus sombras puras se han unido
en la pradera de color de cobre
como una cortina de viento
blindado,
como una barrera de color de furia,
como el mismo invisible pecho del
cielo.
Madres, ellos están de pie en el
trigo,
altos como el profundo mediodía,
dominando las grandes llanuras!
(…)
Dejad
vuestros mantos de luto, juntad
todas
vuestras lágrimas hasta hacerlas
metales:
que allí golpeamos de día y de
noche,
allí pateamos de día y de noche,
allí escupimos de día y de noche
hasta que caigan las puertas del
odio!
(…)
Pero
más que la maldición de las hienas
sedientas, al estertor
bestial
que aúlla desde el África sus
patentes inmundas,
más que la cólera, más que el
desprecio, más que el llanto,
madres atravesadas por la angustia
y la muerte,
mirad el corazón del noble día que
nace,
y sabed que vuestros muertos
sonríen desde la tierra
levantando los puños sobre el trigo.
Poco después de este mitin en Cuenca, Neruda perdería su cargo de cónsul de Chile en Madrid por asumir valientemente la defensa de sus ideales y expresar su indignación públicamente. No obstante, sin importarle tomar las debidas precauciones dada su condición de diplomático.
Picasso antifacista y la pintura del Guernica
Picasso, en solidaridad con el pueblo español, pintaría el Guernica, cuyo título alude a la fuerte impresión que le causara el bombardeo realizado durante cuatro horas por la Legión Cóndor de la aviación alemana a la ciudad vasca de Guernica, el 26 de abril de 1937, destruyendo casi todos los edificios y asesinando a más de mil personas de las siete mil que conformaban la población. “Inaugurándose” con total saña los ataques aéreos indiscriminados contra la indefensa población civil.
El Guernica se convertiría en símbolo mundial de protesta contra la brutalidad de la guerra, al extremo de haber sido tapado con una cortina azul antes de la invasión de Estados Unidos a Irak, en 2003, debido a estar situado en la entrada del Consejo de Seguridad de la ONU, cercano a las cámaras.
Según los “entendidos” dicha censura respondió a una cuestión de estética: “el Guernica de Picasso no es un buen fondo para las declaraciones de guerra ante las cámaras de televisión. En cambio, el azul es un color más televisivo y menos dramático que las desgarradoras imágenes de los bombardeos”.
Colin Powel, entonces secretario de Estado de Estados Unidos, se refería al “deber y la necesidad” de atacar a Irak”. (Es decir, tapar el Guernica, pero dejar al descubierto ante el mundo su crueldad e hipocresía, decimos nosotros).
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Hoy, ante la conmovedora situación de exterminio de Gaza y demás países de Oriente Medio, se plantea repensar el Guernica como ícono político artístico y asumir la urgente necesidad de dar una respuesta de la comunidad de artistas del mundo en estos tiempos de infocracia y tecnoterrorismo mundial con Elon Musk a la cabeza y sus despreciables compinches.
Con motivo de haberse conmemorado el pasado 9 de octubre el 57 aniversario de la trágica partida del Che Guevara, nos despedimos con su legendario saludo revolucionario:
¡Hasta la Victoria, Siempre!
(Continuará). ¡Salud, Poetas!
***
Mohamed Abí Hassan (El Tigre, 1956). Poeta, artista visual y editor independiente. Licenciado en Educación, Mención Artes Plásticas (cum laude), por la Universidad de Carabobo (UC). Ha ejercido la docencia en la UC y en la Universidad Arturo Michelena. Ha sido colaborador en las revistas Poesía y La Tuna de Oro (UC). Primer Premio II Bienal de Literatura Gustavo Pereira, Mención Poesía 2013; Primer Premio IV Bienal de Literatura José Vicente Abreu, Mención Poesía 2016; Primer Premio Concurso Nacional del II Festival 3.0 de Historias Comunales Ramón Tovar (2022).
Formó parte de la Comisión Rectoral del Encuentro Internacional de Poesía de la UC. Coordinó el Taller de Formación de Cronistas Comunales en Mariara, estado Carabobo, auspiciado por el Minci, la Revista Nacional de Cultura y el Centro Nacional de Historia. Actualmente se desempeña como facilitador de talleres de iniciación en la creación literaria, así como talleres sobre patrimonio histórico.
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