La música no nace únicamente en el momento en que los dedos rozan una cuerda o el aire atraviesa un tubo; nace mucho antes, en la intimidad del taller donde la madera es escuchada antes de ser moldeada. El oficio de la luthería —técnica, arte y devoción antigua— es el puente sutil entre la botánica y el alma humana. Un luthier no solo construye o repara instrumentos: descifra la memoria oculta de la madera y le otorga una voz capaz de conmover y sanar.
En Venezuela, esta tradición artesanal cobra un matiz entrañable al entrelazarse con la identidad sonora de nuestra tierra. Juan José Nieves encarna a la perfección este diálogo entre el arte y la docencia. Licenciado y docente con una nutrida trayectoria en la enseñanza musical —destacando su labor, desde 2005, en El Sistema Nacional de Orquestas (Núcleo Puerto Cabello), el Conservatorio de Música del Estado Carabobo, el Programa Simón Bolívar y la Secretaría de Educación—, Nieves combina la disciplina del músico ejecutante con la sensibilidad del artesano.
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2005: Inició su labor académica en El Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles (Núcleo Puerto Cabello) como profesor de contrabajo, tras haber sido contactado por la profesora Ligdian Mata mientras cursaba estudios universitarios en la Universidad de Carabobo y se formaba en el Conservatorio de Música del Estado Carabobo.
2008 – 2012: Trabajó en el Núcleo Los Lanceros impartiendo talleres de formación orquestal y clases de contrabajo.
2010 – 2022: Ejerció como docente de educación musical en la Escuela «Augusto Brant».
2014 – 2021: Formó parte activa del Programa Simón Bolívar (Coros y Orquestas Juveniles).
Desempeña actualmente su labor educativa en la Secretaría de Educación del Estado Carabobo, combinando la docencia con el arte de la luthería.
El arte de devolver la voz a la madera
Coméntame sobre tu formación académica y profesional en el área de la luthería.
Todo comenzó formalmente en la Escuela para el Emprendimiento «Teotiste Arocha de Gallegos», aproximadamente en el año 2018. El maestro Pedro García vino desde Mérida e impartió un taller de luthería en el cual me inscribí. El primer cuatro en terminarse en esa cohorte fue el mío, ya que aproveché al máximo el tiempo del confinamiento por la pandemia para dedicarme a él. Gracias a esa dedicación, el maestro Pedro me obsequió un cuatro adicional elaborado por él mismo. Desde ese momento no he parado; actualmente me encuentro construyendo un requinto y me he dedicado apasionadamente a la restauración y reparación de todo tipo de instrumentos.
¿En qué momento un instrumento dejó de ser solo un objeto para usted y se convirtió en algo que podía ser escuchado y sanado?
Es una pregunta muy profunda, Vani. Durante toda mi vida tuve la inquietud de fabricar instrumentos musicales, aunque no imaginaba que ese sueño se materializaría de esta manera. Todo tomó forma en aquel taller con el profesor Pedro García. Mi primera clienta comercial fue Loreley Araujo, quien supo que yo estaba realizando el curso; le reparé su guitarra y, a partir de ese momento, la referencia boca a boca comenzó a crecer y el trabajo no ha cesado. Lo que empezó como una simple pasión hoy se ha transformado en una importante actividad profesional y un sustento económico.
La madera o el material de un instrumento tienen su propia memoria. ¿Cómo aprende un luthier a leer lo que ese material necesita antes de tocarlo con una herramienta?
Primero se aplica la evaluación visual; uno analiza las condiciones físicas del instrumento. Luego viene la parte auditiva, que es fundamental. Un instrumento deteriorado suena distinto a uno restaurado o a uno completamente nuevo. La madera habla a través de sus fisuras y su timbre. Es muy similar a la labor de un mecánico experimentado que, solo con escuchar el motor del vehículo, sabe exactamente cuál es la falla y qué pieza debe reemplazar. El luthier percibe intuitivamente la acústica que pide la madera.
Un instrumento es la extensión del cuerpo de un artista. ¿Cómo equilibra lo que el músico pide con lo que el instrumento realmente necesita?
A nivel intuitivo, el proceso empieza con un diálogo con el ejecutante. El músico te expresa ciertas exigencias para sentirse cómodo al tocar. Luego viene el diagnóstico técnico que uno realiza como artesano para determinar qué le falta a la pieza. El equilibrio es una comunión perfecta: una «Trinidad Musical» integrada por el instrumento, el ejecutante y el luthier.
¿Qué siente en el instante preciso en que, tras horas o días de trabajo en el taller, el instrumento vuelve a emitir su primera nota limpia?
Siento una satisfacción profunda, porque sé que le he dado una segunda oportunidad a un objeto que quizás muchos habrían desechado. Siento que le otorgo la oportunidad de seguir viviendo y de continuar resonando en el tiempo.
En un mundo de producción en masa y consumo desechable, ¿qué valor ético o de resistencia guarda el arte de la luthería?
Guarda un valor incalculable porque en cada pieza plasmas tu propia personalidad. Existen producciones industriales de gran calidad, pero un instrumento hecho a mano es único e irrepetible; su valor es sumamente superior.
Siempre recuerdo a referentes y mentores como el maestro Pedro García, al popular «Golo» en Guacara (ya fallecido), o a Reinaldo López y Pablo Núñez, con quienes tuve la dicha de compartir en el año 2004. En aquel entonces estuve en la localidad de Guama, estado Yaracuy, y pude presenciar el proceso de fabricación de mandolinas, sin saber que 14 años después seguiría exactamente sus pasos.
Como músico entiendes la emoción del escenario y como luthier conoces la física de la madera. ¿Cómo cambia tu forma de tocar cuando sabes exactamente cómo está construido el instrumento que tienes en la mano?
Lo primero que viene a la mente es el origen del material. Cuando ejecutaba el contrabajo, pensaba en el origen europeo de sus maderas —como la alemana o la checoslovaca—, comunes en los instrumentos de cuerda frotada, aunque en Venezuela también se construyen violines con maderas importadas. Ocurre algo similar con las guitarras en serie.
Sin embargo, cuando sostienes un instrumento elaborado con maderas venezolanas, construidas por artesanos de regiones como los Andes, la sensación es completamente distinta. Hay un sentimiento de identidad nacional que te impulsa a ejecutar con mayor pasión. Desde luego, ejecutar instrumentos extranjeros hechos a mano también es una experiencia sublime por el alto nivel de su artesanía.
Si tuviera frente a usted a un joven de 15 años fascinado por el sonido, pero temeroso de dedicarse al arte en el contexto actual, ¿qué le diría sobre sobrevivir de la música y la creación?
Le enseñaría con todo el amor y sin restricción alguna. En mi juventud tuve esa inquietud artística, pero no conté con la oportunidad de desarrollarla desde tan temprano. Si me encuentro con un joven así, no escatimaría en transmitirle todo mi conocimiento, porque no sé a quién tengo enfrente: no sé si estoy formando al futuro Stradivarius de nuestra época. Si un día ese joven llega a desarrollar su arte a gran escala, solo esperaría que conserve el recuerdo de lo aprendido en el taller.
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Vanileiby Rivas: originaria de Puerto Cabello, Carabobo, Venezuela, es una artista plástica y poeta con formación en el área educativa y artística.
Es licenciada en Educación, Mención Artes Plásticas, egresada de la Universidad de Carabobo (UC).
Ha fortalecido su faceta literaria participando en diversos talleres de poesía en el Departamento de Literatura de la UC y en el Instituto Municipal para la Cultura de Puerto Cabello.
Complementando su perfil artístico, Rivas ha desarrollado habilidades en el campo de la comunicación social, ejerciendo como presentadora en el canal Todo y más TV y como redactora en el periódico Todo y más noticias.
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