La danza es mucho más que la ejecución técnica de pasos sobre un escenario; es un lenguaje universal capaz de moldear el carácter, sublimar las emociones y resignificar la existencia humana. A través del movimiento, el cuerpo trasciende sus propios límites para convertirse en un vehículo de expresión, disciplina y resiliencia.
En un contexto socio-cultural cambiante, la danza emerge no solo como una disciplina artística, sino como una herramienta fundamental de transformación social capaz de rescatar entornos, formar ciudadanos integrales y brindar un propósito de vida.
Para comprender el impacto real de esta disciplina en primera persona, conversamos con Valmore Arteaga (1985), bailarín, docente y director coreográfico venezolano, quien ha convertido el arte del movimiento en su proyecto de vida y en un refugio de constante superación impulsado por una premisa clara: la constancia y la disciplina son la base del éxito.
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¿Cuál es tu primer recuerdo relacionado con la danza y en qué momento te diste cuenta de que no era solo un pasatiempo, sino una vocación?
Recuerdos tengo muchos. La primera vez que tuve contacto con la danza fue en mi promoción de preescolar a primer grado. El colegio donde estudiaba, que se llamaba Don Gato, hacía actos culturales durante la graduación. Recuerdo perfectamente que bailé una producción de Juan Luis Guerra —donde me tocó interpretar a Juan Luis— y también una representación de La Negra Lorenza, en la que fui el parejo de la niña que hacía de protagonista.
Más adelante, en la adolescencia, cuando tenía unos 13 años, comencé a bailar oficialmente en una agrupación de danza. Previo a eso solo bailaba en actividades escolares; afortunadamente, el colegio donde estudié la primaria tenía un programa de danza y estuve participando desde primero hasta sexto grado. Cuando cumplí 13 años entré a Estrellas Danzantes, y fue ahí donde me di cuenta de que la danza era lo que quería hacer el resto de mi vida.
¿Quiénes eran tus referentes o figuras a seguir en tus inicios?
El Ballet de Venevisión en general. No tenía un bailarín en específico ni una única referencia. En ese momento veía los programas de Súper Sábado Sensacional o el Miss Venezuela, que era lo que más esperaba cada año, y ver al Ballet de Venevisión me mostraba exactamente lo que yo quería ser.
En relación con tu formación, ¿cómo recuerdas tus años de entrenamiento académico y qué fue lo más exigente de adaptar en tu cuerpo y mente?
La agrupación donde me inicié originalmente solo hacía danza moderna y bailaba las canciones que estaban de moda en el momento. Hubo un punto determinante en esa etapa, que fue la llegada del maestro Alexander Moya. Él nos introdujo por completo en el mundo de la danza nacionalista. Fue un cambio bastante drástico porque no estábamos acostumbrados a ese género; nos tocó adaptar el cuerpo y la mente a un estilo totalmente nuevo para nosotros. Sin embargo, eso me conectó muchísimo con nuestra historia, con nuestras raíces y con nuestra cultura.
Todos los artistas enfrentan momentos de duda, rechazos en audiciones o lesiones. ¿Cuál ha sido el momento más difícil de tu carrera y cómo lo superaste?
Para esa pregunta tengo dos respuestas totalmente diferentes, más allá del tema de las audiciones y las lesiones.
Una de las cosas que me generó dudas en un momento específico fue precisamente mi peso, porque corporalmente no tengo la apariencia del común de un bailarín o lo que se exigía hace unas cuantas décadas. No soy una persona muy alta ni delgada, y eso en muchas oportunidades me llevó a compararme con la gente con la que bailaba o que me rodeaba, quienes, entre comillas, sí cumplían con los cánones establecidos de la época. Pero de ahí partió una forma de superación, porque entendí que este es el cuerpo que tengo y lo que debía hacer era trabajar para alcanzar las mismas metas que otros lograban con su fisonomía.
Por otra parte, un momento que me generó bastante miedo y dudas fue cuando tomé la decisión de abrir mi propia academia.
¿Cómo abordas la preparación de un nuevo papel o coreografía para transmitir emoción más allá de la técnica?
Creo que los años de experiencia me han ayudado mucho en ese aspecto. Cuando me toca asumir una nueva responsabilidad dancística, lo afronto con madurez. Por ejemplo, en este momento nos estamos preparando una compañera y yo para una Competencia Nacional de Danza que desde hace unos años agregó la categoría profesional. Es un reto para mí, pero lo asumo con responsabilidad, disciplina, compromiso y, siempre, con muchas ganas de aprender.
¿En qué proyectos o producciones estás trabajando en este momento?
En este momento estamos trabajando en tres actividades específicas: la primera es el Festival Nacional de Danzas Danzarte 2026, que es la competencia a la que iremos a principios de octubre. A finales de octubre estaremos realizando la celebración de los 15 años de mi academia, Arteagarte. Finalmente, para diciembre, estaremos organizando la gala navideña de la organización cultural Unidanza.
¿Qué es la danza para Valmore?
Es lo mejor que me ha pasado en la vida. Para mí es eso: la danza es vida, es amor, es responsabilidad y compromiso; es transformación. Para mí, la danza es sinónimo de resiliencia.
Con la experiencia acumulada, ¿qué diferencia al bailarín que eres hoy del que empezó hace unos años?
La diferencia es grandísima, porque ahora veo la danza desde un punto distinto. Ahora la asumo como mi estilo de vida, mi forma de vivir y mi sustento en muchos aspectos. Al principio la veía como una responsabilidad, pero enfocada más hacia la diversión y la liberación. Ahora entiendo que la danza es mucho más que eso: la danza transforma vidas y te ayuda en los momentos difíciles. Siempre le agradezco a Dios y a la danza por estar siempre para mí.
¿Cómo ves el panorama de la danza profesional en la actualidad en términos de oportunidades e innovación?
Siento que hace falta más apoyo en líneas generales a las instituciones dancísticas, que realmente somos las que mantenemos viva la cultura del país. He visto a mucha gente —y me he visto también a mí mismo en ese proceso— trabajar con las uñas para mantener activas las escuelas de danza y para poder costear la gran cantidad de gastos que genera la producción de un espectáculo.
Siempre he dicho que la cultura va a ser cultura estemos en el proceso político que estemos; eso no va a cambiar. Quien esté al frente de esos procesos debe darse a la tarea de apoyar a las instituciones culturales en general: música, teatro y danza. Definitivamente veo la danza como un medio de transformación social; no solo formamos artistas, formamos buenos ciudadanos. Por eso es tan importante apoyar a las instituciones para que puedan proyectarse al nivel que realmente merecen.
¿Qué le dirías a un joven que está empezando y sueña con dedicarse a la danza?
Que la clave es el estudio; que no pierda oportunidades de aprender de todos los géneros que pueda. Es muy importante que se tape los oídos ante comentarios que no suman y que, por el contrario, se escuche a sí mismo, confíe en su talento y crea en que puede lograr las cosas que se propone. Si me lo dijera a mí mismo hace 30 años, diría: jamás subestimes tus capacidades ni pierdas el tiempo comparándote con otros, porque todos somos únicos y especiales.
¿Tienes alguna frase o máxima que acompañe tu camino artístico?
Sí, tengo dos: «Querer es poder» y la otra, que utilicé como eslogan de mi academia cuando la abrí: «Constancia y disciplina son la base del éxito».
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Vanileiby Rivas: originaria de Puerto Cabello, Carabobo, Venezuela, es una artista plástica y poeta con formación en el área educativa y artística.
Es licenciada en Educación, Mención Artes Plásticas, egresada de la Universidad de Carabobo (UC).
Ha fortalecido su faceta literaria participando en diversos talleres de poesía en el Departamento de Literatura de la UC y en el Instituto Municipal para la Cultura de Puerto Cabello.
Complementando su perfil artístico, Rivas ha desarrollado habilidades en el campo de la comunicación social, ejerciendo como presentadora en el canal Todo y más TV y como redactora en el periódico Todo y más noticias.
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